Ellen Von Uwerth empezó por casualidad en el mundo de la fotografía cuando por entretenimiento se aficionó a retratar a sus compañeras modelos de profesión y sentía que más que estár delante del objetivo en una de sus infinitas sesiones, era ella la que debía estar detrás.

Su estilo está definido por el desenfreno y la espontaneidad con la que consigue captar a las modelos y afirma que parte de ello se debe a sus diez años de experiencia como modelo, sabe lo que se siente al ser fotografiada y por ello crea un clima junto a las modelos que elige para que éstas se sientan a gusto, en confianza.

Asegura que no dirige a sus modelos en las sesiones, sino que les comenta la idea que tiene y que deben actuar con una determinada actitud, pero siempre de forma espontánea y divirtiéndose, ella piensa que las modelos se encuentran más relajadas con ellas que con un hombre fotógrafo, que tal vez ponga la mirada en la sensualidad de su cuerpo.

 

Sus obras están siempre realizadas en analógico, asegura que seguirá así mientras pueda, cree en la magia de observar que el trabajo obtenido tras el proceso de revelado era el deseado en un principio, pero le es difícil encontrar películas de gran calidad que ofrezcan los resultados deseados.

Asegura que no hay nada de cierto en que el retoque digital acorta el trabajo, ya que piensa que el retoque digital nunca acaba, y aunque reconoce que sus fotografías en analógico tienen algún retoque nunca permite que este sea excesivo. También confiesa que prefiere el blanco y negro frente al color porque transmite cierto carácter onírico a la imagen en color.

Un buen consejo que siempre da a los nuevos fotógrafos es que defiendan su estilo, que se diviertan con la fotografía y les apasione lo que hacen ya que solo así encontrarán a un público que se identifique con esas ideas.

      David Sims declara que entró en el mundo de la fotografía de modo casual, como ayudante cuando era adolescente y no encontraba nada que le preocupara. Empezó a formarse y encontró en la fotografía el modo de expresar su interés por el estilo y la creatividad.

       Asegura que siempre estuvo preocupado por crear un estilo diferente, no quería que su trabajo se pareciera al de ningún otro coetáneo suyo, piensa que defender el estilo propio es una prioridad que debe tener el artista, aunque del mismo modo defiende que el trabajo comercial indica unas pautas en su trabajo.

        Desde hace tiempo cataloga su trabajo como puramente comercial algo que ha estado buscando durante largo tiempo, aún así asegura que esto sucede cuando ya llevas un tiempo trabajando y en cierto modo se adquiere un bagaje y experiencia personal.

 

Confiesa que son muchos los autores del pasado los que le han influenciado pero que sobre todo se inspira en el mundo de la música, no le interesa el estudio detallado del escenario sino los personajes que aparecen en su obra, además reivindica el valor de la fotografía sin exceso de retoque, comenta que desde hace poco trabaja en digital por exigencias de sus clientes y que esto le ha ahorrado un tiempo considerable, pero no defiende el retoque asegura que con poca posproducción sus obras están tal y como las planteaba en un principio.

Como consejo defiende la idea de que todo aquel fotógrafo que está empezando a desarrollar su obra debe viajar y experimentar su creatividad con aquello que le preocupa y que le interesa sin dejarse intoxicar por el mercado.

        “Es difícil trabajar si pretendes cumplir las expectativas de los demás.”

David LaChapelle desde pequeño ha tenido una formación artística, influenciada en parte por su madre, confiesa que desde joven la estética pop de Andy Warhol ha formado parte de su vida y por lo tanto en parte una de las mayores características de su obra.

Siempre se ha sentido libre en su trabajo, confiesa que necesita ciertas indicaciones puesto que la total libertar abre muchos caminos en el mundo de la creatividad y en parte condicionar en su junta medida los encargos que le hacen le ayuda a decidirse.

Dice que no le interesa registrar lo novedoso, lo popular, las tendencias, cree que hoy día los fotografos se rigen mucho por la “novedad” y no por lo que realmente a ellos les interesa.

LaChapelle asegura que la labor de fotógrafo entraña la misma dificultad que cualquier otra profesión, pero que para ser un buen fotógrafo se debe nacer con un modo especial de mirar, aún así, asegura que este modo de mirar debe ser entrenado a través de los años y adquirir cierta experiencia a base de realizar distintos trabajos. Cree que en el mundo de la fotografía de moda hay muchos artistas que anteponen crear un estilo a realizar lo que verdaderamente les gusta, anteponen lo que aceptará el público o lo que se mueve en el comercio sin priorizar aquello que aman.

Su mejor consejo es que todo fotógrafo y artista en general debe poner con sinceridad pasión en sus obras ya que si es sincero el público lo entenderá como tal.

Thomas Demand afirma que empezó en la fotografía tras la necesidad de documentar sus esculturas.

       

        Confiesa que no pretende que el público entienda su obra, no le preocupa la libre interpretación que se pueda hacer de ella, pero mantiene la idea de la fotografía no miente y por lo tanto no relaciona su obra con la imitación de la realidad a pesar de que sean maquetas que reconstruyen una realidad con un alto grado de verosimilitud en papel y cartón.

        Asegura que el buen artista es aquel que incide en una temática o concepto y es capaz de ofrecer varios puntos de vistas sobre ese mismo tema, es como buscar distintas soluciones a un mismo problema.

        Demand trabaja en el mismo tema porque le apasiona y aún no se ha cansado de crear escultura para después fotografiarla, además asegura que en ocasiones estas ideas le rondan durante años, otras durante apenas unos pocos de días pero todas siguen el mismo proceso y son en sus últimas semanas de trabajo cuando empieza a visualizar el punto de vista que desea ofrecer al espectador.

       

        Como consejo a los estudiantes de fotografía comenta que le parece bien y correcto que tengan claro cual es el medio que desean usar pero es preciso estudiar de lo general a lo específico dentro del mundo del arte para llegar a conocerlo.

“Habran elegido el medio antes que el contenido.”

www.thomasdemand.

Charles Fréger comienza en el mundo de la fotografía tras sus estudios de agriculuta, cuando decide estudiar Bellas Artes y necesita fotografías para sus litografías. Es entonces cuando se da cuenta de que con la fotografía conseguirá algo que nunca podrá alcanzar a través de la litografía.

Se siente atraído por el género retratístico y se forma de manera autodidacta siendo ya adulto, a los 20 años de edad, confiesa que siempre le interesó recrear en sus imágenes la pintura flamenca de épocas pasadas, se fijaba sobre todo en Van Eyck, Petrus Christus…

Su método de trabajo es bastante premeditado, no le interesa la espontaneidad sino hacer perdurar una imagen en el tiempo.

Fréger no realiza trabajo de postproducción ya que cree en ese momento, su fotografía siempre se desarrolla en series y establece estereotipos de profesiones o asociaciones, como panadero, mayorettes… no suele seleccionar a los personajes directamente de hecho confiesa que retrata a todo aquel que se lo pide y por eso prefiere que elijan a los modelos por el. 

www.charlesfreger.com

Corbijn se acerca a la fotografía en su adolescencia, cuando a causa de su timidez se refugia en la compañía que le proporciona la cámara, acudiendo a conciertos de grupos y artistas minoritarios, no tan conocidos, y decide venderlas a publicaciones musicales que aceptan su obra.

Manifiesta sinceramente que no es partidario de una formación previa al trabajo como fotógrafo, ya que esto le permitió crear su propio estilo de forma pura, sin ser tentado de imitar a ningún autor, aunque  confiesa que siempre le atrajo la fotografía en blanco y negro porque dota de mayor grafismo a la imagen. Cuando su trabajo en fotografía se convirtió en algo más formal, tomó las obras de Arbus o Frank como punto de partida para su trabajo.

Ante el posible estancamiento de su carrera profesional como fotógrafo decidió en su momento reciclarse, marchándose a Los Angeles, donde la iluminación del sol le proporciona un juego interesante a su carrera, además decide tomar fotos a personalidades del cine, pero desea que su obra se valoré más allá que la del retratista de famosos. No se siente atraído por la foto publicitaria ni por los grandes artificios de las poses, de echo nunca lleva ni utiliza equipos de iluminación en sus sesiones, cree que la naturalidad es la materia prima para su trabajo y para ello no recrea escenarios ni escenas sino que contando con un corto espacio de tiempo improvisa con el personaje retratado para obtener el retrato que lo defina y represente.

No se siente identificado con ningún retratista de famosos, de hecho no le atrae ese tipo de fotógrafos, tampoco tiene grandes conocimientos técnicos, tan sólo según él los imprescindibles para el trabajo que realiza, confiesa que lo que más le interesa de la fotografía es poder vincularse a gente durante 15 minutos y comprender su filosofía de vida.

www.corbijn.co.uk