David LaChapelle desde pequeño ha tenido una formación artística, influenciada en parte por su madre, confiesa que desde joven la estética pop de Andy Warhol ha formado parte de su vida y por lo tanto en parte una de las mayores características de su obra.

Siempre se ha sentido libre en su trabajo, confiesa que necesita ciertas indicaciones puesto que la total libertar abre muchos caminos en el mundo de la creatividad y en parte condicionar en su junta medida los encargos que le hacen le ayuda a decidirse.

Dice que no le interesa registrar lo novedoso, lo popular, las tendencias, cree que hoy día los fotografos se rigen mucho por la “novedad” y no por lo que realmente a ellos les interesa.

LaChapelle asegura que la labor de fotógrafo entraña la misma dificultad que cualquier otra profesión, pero que para ser un buen fotógrafo se debe nacer con un modo especial de mirar, aún así, asegura que este modo de mirar debe ser entrenado a través de los años y adquirir cierta experiencia a base de realizar distintos trabajos. Cree que en el mundo de la fotografía de moda hay muchos artistas que anteponen crear un estilo a realizar lo que verdaderamente les gusta, anteponen lo que aceptará el público o lo que se mueve en el comercio sin priorizar aquello que aman.

Su mejor consejo es que todo fotógrafo y artista en general debe poner con sinceridad pasión en sus obras ya que si es sincero el público lo entenderá como tal.

Thomas Demand afirma que empezó en la fotografía tras la necesidad de documentar sus esculturas.

       

        Confiesa que no pretende que el público entienda su obra, no le preocupa la libre interpretación que se pueda hacer de ella, pero mantiene la idea de la fotografía no miente y por lo tanto no relaciona su obra con la imitación de la realidad a pesar de que sean maquetas que reconstruyen una realidad con un alto grado de verosimilitud en papel y cartón.

        Asegura que el buen artista es aquel que incide en una temática o concepto y es capaz de ofrecer varios puntos de vistas sobre ese mismo tema, es como buscar distintas soluciones a un mismo problema.

        Demand trabaja en el mismo tema porque le apasiona y aún no se ha cansado de crear escultura para después fotografiarla, además asegura que en ocasiones estas ideas le rondan durante años, otras durante apenas unos pocos de días pero todas siguen el mismo proceso y son en sus últimas semanas de trabajo cuando empieza a visualizar el punto de vista que desea ofrecer al espectador.

       

        Como consejo a los estudiantes de fotografía comenta que le parece bien y correcto que tengan claro cual es el medio que desean usar pero es preciso estudiar de lo general a lo específico dentro del mundo del arte para llegar a conocerlo.

“Habran elegido el medio antes que el contenido.”

www.thomasdemand.

Destino.

Una secuencia fotográfica consiste en crear una imagen partiendo de varias que superponemos creando una composición nueva.

En este ejercicio se ha querido recoger el movimiento de un recorrido, para ello se han precisado de 10 imágenes para cada fotografía definitiva, para acentuar ese movimiento se ha estimado crear trasparencias entre las distintas imágenes que se superponen.

El motivo de la serie Destino, alude al recorrido que cada persona hace en su vida, al propio destino personal en el que en ocasiones se afrontan y abordan problemas o situaciones complicadas.

De este modo las distintas tomas con distintos grados de opacidad aluden al pasado y presente de ese destino, el caballete alude a esos conflictos o problemas que depara ese camino y que cada persona solventa como puede y siempre de modo distinto para cada persona.

Con la colaboración de Reyes y Dalia.

En esta serie de autorretratos se trata de transmitir, además de un retrato físico, un retrato emocional en el que están presentes los rasgos de mi personalidad.

Para ello se han elegido tres imágenes ya que el número 3 es simbólico y domina muchos hechos que han marcado mi vida, el desnudo por su parte trata de mostrar tal cual la naturaleza física, sin artificio ni indumentaria el desnudo representa que me muestro tal cual soy físicamente, el blanco y negro aborda la parte emocional, en la que el razonamiento trata de reflexionar entre las respuestas de Si o No de todos aquellos actos que forman parte de mi vida.

Por otra parte he querido jugar con la dificultad de mostrarme ante las personas que no conozco con un cubismo, que rompe en trozos la imagen, de este modo estoy impidiendo que aquellas personas que no me conocen o creen conocerme no llegan más allá de las simples apariencias y encuentran dificultad para conocer a la persona más allá del físico  o desnudo que intuyen.

El retoque digital y presentación son fríos como mi propia personalidad, poco emotivo y a veces impasivo.

Las imágenes están tomadas con una luz cenital lateral suave, con flash de ventana, ya que quería que fuera lo más natural posible sin demasiada artificiosidad. 

La serie de imágenes que Robert Mapplethorpe realizó sobre las flores, tienen una delicadeza y sensibilidad que convierten a un objeto de la naturaleza en simple obra de arte, como si de un objeto preciado se tratara.

Para imitar el esquema de iluminación de Robert Mapplethorpe se ha necesitado un foco de luz dura que genera altos contrastes en las superficies del objeto a representar, normalmente el foco luminoso se ha ubicado en uno de los laterales pero en esta serie he querido experimentar con las diferentes posibilidades que ofrecía el cambio de luces y como genera distintas texturas según su posición.

El motivo de realizar esta serie no tiene ningún simbolismo sexual como si lo tuvieran las imágenes de Mapplethorpe, es este caso la serie es fruto de la experimentación en el estudio con juegos de luces.

Tratando de imitar los esquemas de iluminación de grandes fotógrafos, se ha elegido a Erwin Olaf, ya que es un autor que se asemeja bastante en el contenido y forma a la fotografía que en estos momentos me interesa.

Erwin Olaf infunde en sus obras un misterio y sobriedad a través de composiciones simples y geométricas, con pocos elementos, colores suaves en bajo contraste, luces difusas y toda una serie de iconografía que hacen de su imagen una escenografía enigmática, natural y poco artificiosa.

Para imitar su esquema de iluminación he necesitado luz natural difusa de día nublado, de entrada cenital y lateral con relleno que provocan poco contraste y tonalidades suaves.

Con la colaboración de Carlos y Elvira.

www.erwinolaf.com

La exposición del XIX Certamen Internacional de Artes Plásticas de la Universidad de Sevilla, muestra una amplia selección de obras presentadas al concurso en distintas disciplinas artísticas como; fotografía, dibujo, pintura, escultura e instalación.

La muestra no tiene un tema definido por tratarse de un concurso de temática libre lo que enriquece más la exposición.

Entre las obras seleccionadas podemos destacar la obra premiada de Gloria Rico Clavellino, un fotomontaje que alude a las raíces y el origen personal del ciudadano cargado de simbolismo, en el que un sofá-cama se convierte en maqueta orográfica del terreno. La obra consta de dos imágenes de gran formato a color.

La exposición se desarrolla de modo perimetral dejando en el lugar central de la sala las obras tridimensionales; esculturas e instalación.

Todas las obras presentan calidad técnica en cada una de sus representaciones podemos destacar el retrato de Arturo Comas dentro de las fotografías presentadas en la muestra o la escultura de dos maniquíes niños que mantienen una conversación por teléfono móvil, aludiendo a la incomunicación-comunicada de la sociedad actual.

La muestra tiene un importante valor positivo ya que en ella podemos ver obras de artistas emergentes que tienen un modo especial y personal de crear un arte nuevo.

XIX Certamen Internacional de Artes Plásticas 2013.

CICUS.

Del 14 de Marzo al 5 de Abril.

La exposición Hilo Conductor de la artista brasileña Beth Moysés, recoge en varias disciplinas como fotografía, escultura, dibujo y vídeo, la problemática social del maltrato de género en relaciones sentimentales.

La muestra con una estética conceptual y minimalista en todas las obras presenta un simbolismo de las relaciones sentimentales basadas en la violencia.

Para ello la artista se apoya en varios elementos simbólicos como son el color rojo y blanco predominantes, el uso de objetos cotidianos relacionados con el hogar y las costumbres femenina, como es todo lo relacionado con la costura; hilo, dedal, ropa, broches…

El tema es abordado de una forma limpia y clara como se aprecia en el video, en el que diversos dedales dispuestos aleatoriamente se ven sorprendidos por una lluvia y ésta hace que derramen sangre de su interior. La metáfora alude a través del dedal, un objeto de protección ante el dolor, al maltrato en el que las lagrimas estarían representadas por la lluvia y el dolor por la sangre.

La muestra esta presentada en un mismo espacio, pero visualmente ordenado, de manera que el visitante puede ver en primer termino la escultura, a continuación los dibujos y fotografías y en último lugar el vídeo. Pese a tratarse de distintas manifestaciones artísticas todas conjugan los mismos elementos formales y estéticos y se la muestra queda unificada a la perfección.

Hilo Conductor, Beth Moysés.

AJG  Contemporary Art Gallery.

Del  1 de Marzo al 12 de Abril.

www.ajggallery.com

La exposición Naturalezas y autorretratos de Graciela Iturbide, recoge varias de sus obras realizadas en México e India, con géneros entre retratos, paisajes y bodegones encontrados.

Todas sus obras muestran el misterio y calma que caracterizan a la fotógrafa mexicana, en blanco y negro con composiciones sobrias, en las que las líneas son elementos dinámicos que se apoyan en los fuertes claroscuros que consigue.

Las imágenes realizadas mediante la técnica de gelatina de plata son de pequeño tamaño, enmarcadas en formato cuadrado por el perímetro de la sala, todas de iguales dimensiones.

La fotografía de Graciela Iturbide, muestra sus raíces de un modo melancólico, poético, misterioso,  en el que los paisajes y bodegones parecen escenarios preparados pero son fruto de una simbiosis entre estudio y azar.

Sus imágenes están cargadas de símbolos que aluden a su experiencia y cultura, a sus inquietudes que de un modo sugerente aparecen en forma de elementos compositivos que ayudan a la reflexión.

La muestra es una gran recopilación que deja ver la calidad técnica y artística de Iturbide, en obras sencillas y no por ello menos interesantes, una muestra muy buena con la que se llega a valorar lo importante del estudio previo al tomar una fotografía.

Naturalezas y autorretratos, Graciela Iturbide.

Galería Rafael Ortiz.

Del 6 de Marzo al 17 de Abril de 2013.

www.galeriarafaelortiz.com